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‘Els Encantats’: la pausa silenciosa

Dirigida por: Elena Trape

Intérpretes: Laia Costa, Daniel Pérez Prado y Aina Clotet

Año: 2023

Estreno 2 de junio de 2023

★★★

La protagonista de ‘Els Encantats’ es una mujer (Laia Costa) que se enfrenta a una ruptura sentimental y, sobre todo, a la dificultad de tener que separarse de su hija los días en que ésta debe estar con su padre. Para contar la perplejidad y el dolor de la protagonista, Elena Trapé, que firma el guión junto a Miguel Ibáñez Monroy, toma dos decisiones tan interesantes como atrevidas. El primero es romper la típica linealidad de las historias que exponen un proceso de duelo, y hacerlo de forma prácticamente imperceptible. ‘Els Encantats’ es muy estimulante en su forma de ocultar información y hacer elipses. La segunda es decir esa confusión y ese dolor no solo del encierro (hasta un momento preciso que es mejor no desvelar, la protagonista no verbaliza lo que siente), sino también permitirse camuflarlo con material tan inesperado. como el humor más físico, incluso escatológico.

Es una apuesta doble arriesgada. El extremo control de la narración y el secretismo del protagonista hacen que «Els Encantats» parezca un poco rígido por momentos. Sin embargo, cuando la película fluye (la forma de contar la memoria emocional asociada a los lugares, la historia con el vecino, el monólogo final) ofrece muy buenos momentos. Y es que, a pesar de los posibles desajustes, siempre será más interesante el riesgo en el diseño de la historia que el apego al lugar seguro.

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El talento de José Luis López Vázquez vuelve a la gran pantalla

Se han rendido innumerables homenajes a José Luis López Vázquez, pero nunca son suficientes. El actor, emblema de toda una generación, falleció en 2009 a los 87 años, pero su legado sigue presente, sus amigos lo cuidan. Basta con echar un vistazo a su extensa filmografía, las innumerables películas en las que participó. Ni su humor ni su talento pasan de moda.

El último homenaje llega de la mano de su hijo, José Luis López Magerus. ‘José Luis López Vázquez, ¡qué tontería!’, se presenta en la gran pantalla el lunes 17 de abril a las 20:30 horas en la sala Cinesa Proyecciones de Madrid. Y desde hace unos meses podrás disfrutarlo en Movistar+. Es una producción de Fata Morgana Audiovisual, en coproducción con Atlantia Media Producciones, Enrique Cerezo Producciones Cinematográficas y Estudio Multidesign, con la colaboración de Radio Televisión Madrid y la Comunidad de Madrid.

Esta película documental sobre su figura es un proyecto que el actor seguramente habría tildado de “tonterías”. De hecho, así fue como sucedió. Esta fue su respuesta cuando George Cukor, que anteriormente había dirigido a estrellas como Spencer Tracy, Jack Lemon, Cary Grant y James Stewart, quiso llevárselo a Hollywood. Rápidamente cambió de tema. Unos años y bastantes obstáculos después, la historia de su vida y su increíble obra es una realidad.

En un sentido y emotivo homenaje a su padre, López Magerus, productor ejecutivo y coguionista del documental, asume también el papel de hilo conductor de la historia. Para ello, habla con sus amigos, familiares y compañeros de trabajo de López, a los que hace referencia el equipo de filmación durante las grabaciones, para concluir que el resultado, además de un cuidadoso recorrido por la prolífica carrera del actor, es un auténtica lección de vida y, a pesar de todos los obstáculos, una hermosa historia de amor. Con final feliz incluido.

La iniciativa siguió adelante a pesar de que los funcionarios sabían que no era, de lejos, el último deseo del actor. “López nunca quiso que se hiciera este documental”, dice su hijo. “Y estamos convencidos de que nos envió mensajes desde el otro mundo con la clara intención de impedir que lo hiciéramos. No es normal que una producción tenga tantos problemas, algunos de los cuales son inexplicables. Estamos seguros de que todo dependía de él».

En la película intervienen José Sacristán, Julieta Serrano, Miguel Rellán, Mónica Randall, Pepe Viyuela, Luis Perezagua, Antonio Resines o los hermanos Gutiérrez Caba. Es una forma de elogiar el talento interpretativo innato de López Vázquez, su personal método de trabajo y su asombrosa capacidad para desarrollar, prácticamente al mismo tiempo y con el mismo nivel de exigencia, registros diametralmente opuestos.

La producción tampoco descuida su lado más personal. Ketty Magerus, su segunda compañera, Maruchi Vázquez de la Torre, su prima, o Juan Luis Valtueña, uno de sus más allegados amigos, dan fe de su calidad humana.

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Ha muerto la actriz aragonesa Laura Gómez-Lacueva

Triste noticia para el mundo del cine y la televisión en Aragón. La actriz aragonesa Laura Gómez-Lacueva, conocida por sus papeles en ‘El Pueblo’, ‘La que se Avecina’ y ‘Oregón Televisión’, ha fallecido este jueves a los 48 años tras una larga enfermedad. La artista falleció esta madrugada tras no poder superar una complicación respiratoria que la mantuvo en cuidados intensivos, según fuentes cercanas a ella.

Según informó Aragón TV, la actriz padecía cáncer y tenía «las defensas muy débiles» desde hace unos días y, de hecho, ya había pospuesto la última de sus grabaciones. Gómez-Lacueva fue uno de los rostros más famosos y queridos del programa de comedia «Oregon TV», donde interpretó a ET o la abuela de la familia Gálvez.

La carrera de Laura Gómez-Lacueva no ha dejado de crecer en los últimos años tras consolidarse como uno de los rostros más polivalentes y visibles del programa de humor de Aragón TV. Su primer papel protagónico en el cine español llegó en 2020 en la película ‘Historias lamentables’ (2020), de Javier Fesser.

Por otro lado, en la serie de Telecinco ‘El Pueblo’ representó a Mariajo y en ‘La que se Avecina’ a Greta, una farmacéutica que es la presidenta de la comunidad de vecinos más longeva de la televisión española. La actriz aragonesa se incorporó el año pasado a la exitosa serie para trabajar en la decimotercera temporada.

Su carrera en el teatro comenzó hace más de 25 años cuando en 1994 ingresó en la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza y tras realizar sus estudios en diferentes ciudades europeas decidió crear su propia escuela. “De niña ya jugaba a ser actriz con mi prima y mis vecinos. Soñaba con representar historias teatrales que me inventaba”, decía en una entrevista a EL PERIÓDICO DE ARAGÓN, del grupo Prensa Ibérica, el pasado agosto. .

Los seres queridos de la actriz no pudieron contener el dolor que les causó su pérdida esta mañana. El actor zaragozano Jorge Usón, entre ellos, confesó estar «destrozado». “Desde el punto de vista profesional, se va una actriz que estaba en el momento más glorioso de su carrera”, comentó Usón. En el plano personal, Laura deja tras de sí una estela de amor, compromiso, bondad y amistad que pocos igualan. Era una persona muy especial.»

Jorge Usón, Carmen Barrantes y la fallecida Laura Gómez-Lacueva fundaron la compañía Nueve de Nueve Teatro en 2010. Los tres compartieron muchas experiencias y producciones. “Siempre ha sido un proyecto maravilloso del que estamos muy orgullosos. Por su enfermedad, Laura ya no pudo participar activamente en los últimos tiempos, pero su espíritu y esa admirable forma de ser y de conducirse en la vida siempre nos ha acompañado y nos acompañará”, relató Usón.

En la misma línea se pronunció el director y actor aragonés Alberto Castrillo-Ferrer, gran amigo de la actriz desde que entró en la escuela de teatro de Zaragoza. “La conozco desde hace más de 20 años y durante todo ese tiempo pude decir con orgullo que fui su amiga. Era una mujer maravillosa y no encontrarás a nadie que diga lo contrario porque trataba a todos de manera excepcional”.

Para Castrillo-Ferrer, era solo cuestión de tiempo que Laura Gómez-Lacueva se diera a conocer al gran público: “Estaba en el momento más visible de su carrera, pero siempre trabajó con la misma pasión. El escenario era su lugar natural y afortunadamente pudo demostrar su talento, disfrutar de su trabajo y dejarnos disfrutar del resto”.

Las condolencias por la muerte de Laura Gómez-Lacueva han inundado las redes sociales desde que se conoció este trágico suceso. Desde su cuenta de Twitter, el presidente de Aragón, Javier Lambán, lamentó profundamente el fallecimiento de la famosa actriz y expresó su más sentido pésame a sus allegados.

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El jurado del Festival de Málaga responde a las predicciones y premia ‘20.000 especies de abejas’

Sin demasiadas sorpresas en el palmarés del Festival de Málaga. Desde el estreno entre aplausos de ‘20.000 especies de abejas’ y con premio para su jovencísima protagonista, Sofía Otero, estaba claro que la película de Estíbaliz Urresola iba a ser una de las grandes candidatas a ganar las principales Biznagas de los veinte – Sexta edición del certamen. Y así fue: el largometraje sobre un niño que nació Aitor pero siente que Lucía se va de Málaga con dos de los principales galardones, Mejor Película Española y Mejor Actriz de Reparto (Patricia López Arnáiz). Por su parte, la panameña ‘Las hijas’, un retrato íntimo de la adolescencia con una paternidad ausente, se alzó con la distinción de mejor película iberoamericana. A partir de ahí, algunas ausencias y algunas decisiones extrañas.

La relación entre los nuevos directores españoles, la Berlinale y el Festival de Málaga sigue creciendo. Urresola se suma a la lista de autoras como Elena Trapé, Carla Simón o Alauda Ruiz de Azúa que han acabado triunfando hasta la fecha con el cine en español tras cosechar prodigiosas críticas y premios en el festival de Berlín. El largometraje del cineasta vasco fue muy aclamado en su estreno, por la sensibilidad y la esperanza con la que aborda las peripecias personales (y sus implicaciones familiares) de una niña nacida niño. Eso sí, la decisión de considerar secundario el papel de Patricia López Arnaiz es algo controvertida, ya que aparece en buena parte de las imágenes (con indiscutiblemente la pequeña Sofía Otero).

El premio también se cantó para María Vázquez, la protagonista de ‘Matria’. La intérprete gallega encarna con poder y convicción a una mujer fogosa que avanza pero que se ve oprimida por la precariedad. Era la gran favorita del mismísimo estreno de la película de Álvaro Gago. Por su parte, el argentino Alberto Amman gana la Biznaga a mejor actor principal por ‘A la entrada’, en la que integra a un ciudadano venezolano sospechoso de las autoridades estadounidenses durante un asfixiante interrogatorio en un control aduanero de un aeropuerto. Un papel lúcido, con un acento clavado (una de las grandes especialidades de la intérprete) y para una de esas películas pensadas para que los actores den lo mejor de sí mismos.

En cuanto a la interpretación masculina de apoyo, ganó otro argentino: Jorge Marrale, sin duda, lo mejor de ‘Empieza el baile’, de Marina Seresesky. Su bandoneonista borracho que disfraza con sarcasmo un secreto oculto durante décadas conmovió al jurado, como hizo con el público la película de Seresesky: suya es el premio del público.

precios no tan esperados

¿Recompensas extrañas? Otros: el premio especial del jurado para ‘Bajo terapia’, la alocada comedia dramática con trap de Gerardo Herro, y la mención especial del jurado para la uruguaya ‘Desperté con un sueño’, película lúgubre y pretenciosa que parte de la historia de A los 12 años, Pablo Ferro (interpretado por el propio Ferro, ya con 15) es difícil de entender. Además de que una de las mejores películas proyectadas este año en la Sección Oficial (para lo que encaja, sin duda, la mejor), la mexicana ‘Zapatos rojos’, de Carlos E. Kaiser, se alzó con un único premio, el de la mejor fotografía. . Y también nos costó olvidar ‘Ma vie si simple’, de Félix Viscarret, una comedia agridulce sobre el tránsito a la madurez masculina que gustó mucho pero que no rascó la bola en las listas de éxitos.

Pero así es el cine. Más el próximo año.

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Un festival de cine de Málaga de récord quiere recuperar la alegría

El tiempo ha llegado. Le cinéma en espagnol, celui que nous réalisons en Espagne et en Amérique latine, illuminera les écrans vides des théâtres avec des drames, des comédies, des thrillers, des documentaires et des réflexions basées sur des histoires sur qui nous sommes et ce que nous voulons estar. La pandemia ya está definitivamente asentada, lo que ha obligado al certamen a tomar valientes decisiones aplaudidas por el sector nacional e internacional, y ya se cumplen 25 años del certamen, el Festival de Málaga inicia una era manteniendo la cestería y la Filosofía de su Última Década, encargo de Juan Antonio Vigar. Un festival «singular en su generalidad», que busca la utilidad hacia las películas que programa y las personas que las plantean.

La alfombra roja volverá por fin a los alrededores del Teatro Cervantes. Y ojo, el tiempo os acompañará: a diferencia de la última edición, donde, incluso enmascarada, la lluvia fangosa y la inclemencia del tiempo en general empañaron el ritmo de las actividades, esta escala será bendecida con una luz radiante. Por la alfombra desfilarán nombres clave de la industria audiovisual nacional, como los ganadores Blanca Portillo, Carla Simón, Alberto Rodríguez, Raphael y Yuyi Beringola, así como los equipos de las películas proyectadas a concurso y su entorno. Pero, sobre todo, los malagueños, aficionados y curiosos volverán en busca de un selfie y un gesto de complicidad con los rostros populares de nuestras películas y series. Como dice el propio director del certamen: “Málaga es una gran fiesta del cine y la alegría, dos palabras que suenan muy bien juntas”.

Lo más destacado de la fiesta

En el ámbito estrictamente cinematográfico, el certamen mantiene las líneas generales históricas del certamen: apuesta por los nuevos valores del cine, en particular de las directoras y empuje hacia las creaciones más alternativas e independientes; una filosofía que permitía a Vigar y su equipo poder presumir, con razón, de algo: “Los grandes nombres del cine español actual han encontrado aquí su primera oportunidad”. Rodrigo Sorogoyen, Carla Simón, Alauda Ruiz de Azúa, Carlos Marqués-Marcet y muchos otros lo saben.

Será un año récord en cuanto a cantidad: más de 200 películas componen la parrilla del festival, que ofrece una competición de largometrajes de hasta 20 películas. “Ha habido un 20% más de películas grabadas”, explica Vigar, para quien las cifras hablan de un momento extraordinario en la producción audiovisual y de un creciente interés por el Festival de Málaga como trampolín. Todo ello ha llevado al certamen a abrir una nueva ventana de exhibición, Málaga Premiere, con una veintena de títulos fuera de competición, “películas que también merecen ser vistas pero que no encontraban su sitio en la competición”. Entre ellos, largometrajes esperados como Asedio, de Miguel Ángel Vivas, y aportaciones de un espectro más decididamente comercial, como la segunda parte de García y García o De Caperucita a Loba. Y surge también Mosaicos, una perla de cine extranjero no latinoamericano procedente de festivales, con importantes premios, aún no estrenada en España. Pero el Festival crece no sólo en cine sino también en amigos. Esta temporada, Radio Televisión Española se suma a la lista de patrocinadores, lo que dará mayor visibilidad mediática al evento: la gala inaugural será retransmitida en directo por La2.

Como veis, tras su primer cuarto de siglo, el Festival no quiere acomodarse ni darse por hecho y sigue invitándonos a la mejor de las fiestas: la que se vive desde un asiento frente a un filtro. .

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El Valencia mantiene el legado de Berlanga

El consejero de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, aseguró que los archivos de Berlanga «acabarán en Valencia» y destacó que la Generalitat valenciana buscaba un lugar para ubicar el legado del cineasta valenciano Luis García Berlanga.

Así lo ha dicho este jueves Iceta, tras haber sido consultado por periodistas por los archivos de Berlanga, que fueron adquiridos por el ministerio por importe de 357.000 euros y que contienen 74 cajas con documentos de diversa índole recogidos por el cineasta a lo largo de su vida que se encuentran ahora forma parte de las colecciones públicas del estado.

El ministro ha recordado que el material está en proceso de catalogación, pero ha destacado que el «presidente» de la Generalitat, Ximo Puig, se lo ha enviado por el interés del Ayuntamiento de «acoger el legado de Berlanga».

«La Generalitat Valenciana buscará un lugar y nos lo dirá. Los archivos de Berlanga acabarán en Valencia», ha asegurado.

Un espacio aún sin ubicación

Tal y como ha apuntado el propio Puig este miércoles tras el anuncio de la ministra, la recepción de los archivos «servirá como piedra angular de lo que será el espacio» dedicado al artista. Tal y como ha anunciado Levante-EMV, del grupo Prensa Ibérica, la Generalitat tiene previsto a partir de 2021 crear un espacio dedicado al director en el que se estudie y difunda su obra y se exhiban recuerdos personales y objetos relacionados con sus películas.

“Lo pedimos en su momento y por lo tanto es cuestión de encontrar el lugar adecuado y que sirva como palanca de reconocimiento de lo que ha sido un cineasta internacional”, dijo este miércoles Puig al respecto.

Por el momento, no se ha indicado cuál podría ser la sede de este «espacio Berlanga». El pasado mes de diciembre, cuando se hizo pública la compra del archivo del director por parte del ministerio, el secretario de Cultura, Ximo López, señaló que el lugar ideal para albergar este legado sería la Cinemateca de Valencia. Pero este miércoles, fuentes del Ministerio de Cultura aseguraron este miércoles que el departamento que dirige Raquel Tamarit (de Compromís) «no ha recibido ninguna petición ni comunicación» del ministerio respecto al traslado del expediente.

Compró 357.000 euros

En diciembre del año pasado, el Ministerio de Cultura y Deporte finalizó la adquisición del archivo de Luis García Berlanga por importe de 357.000 euros. Luego de varios años de negociaciones con la familia, se llegó a un acuerdo de buena voluntad entre las partes, por el cual 74 cajas que contenían diversos tipos de documentos recopilados por el cineasta a lo largo de su vida ingresaron a las colecciones públicas del estado.

Desde que la familia Berlanga vendió su casa de Somosaguas hace unos años, el material se conserva en las instalaciones de la Filmoteca Española, entidad dependiente del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) que inicialmente se encargó de su conservación y diseminación. .

Pero ya a principios de 2022, el propio ministro de Cultura, Miquel Iceta, se dispuso a ubicar el archivo de Berlanga en Valencia, ciudad natal del cineasta, «por razones obvias». La familia Berlanga también ha manifestado en reiteradas ocasiones su deseo de que la colección se conserve y exponga en Valencia. “El mejor homenaje es que el legado de mi padre tenga un lugar físico donde mostrarse. Nos gustaría que fuera en Valencia”, dijo Fernando García-Berlanga al recoger el premio Levante-EMV 2021.

Otro de los hijos del director, José Luis García-Berlanga, dijo en diciembre a Levante-EMV que la decisión sobre el posible traslado de los archivos de su padre a Valencia corresponde al Ministerio de Cultura y la Generalitat. “Espero que vaya a Valencia”, dijo García-Berlanga, quien “sabe” que el “presidente” Ximo Puig “se haría mucha ilusión” si estuviera expuesto en su ciudad natal. Sin embargo, el hijo mayor de Berlanga admitió que durante las negociaciones con el ministerio, la familia Berlanga no puso condiciones para el posible traslado de los archivos a Valencia.

Como ya asomó este periódico hace un año, la Generalitat no quiere que la memoria institucional de Luis García Berlanga se diluya tras el año dedicado al cineasta por su centenario en 2021 y prevé ofrecer un espacio dedicado al director en el que esté estudió y difundió su obra y exhibió recuerdos personales y objetos relacionados con sus películas.

Fuentes de Presidencia de la Generalitat admitieron hace unos meses a este diario que no hay un destino preciso para esta herencia. En este sentido, el pasado mes de diciembre el secretario autonómico de Cultura, Ximo López Camps, aseguró que la Filmoteca de València dispone de «espacio y personal» para albergar el archivo del director Luis García Berlanga, aunque ha señalado que la «prioridad» de la organización es «colaboración» para mejorar el patrimonio.

La documentación que compone el archivo es muy variada e incluye toda la trayectoria de Berlanga. Se trata, según el ministerio, de los archivos «más completos y complejos» que ha recibido la Cinemateca Española, del que se considera que su conservación y futura consulta puede arrojar mucha luz sobre la cultura viva de España en los últimos siglo y en una de sus figuras artísticas y culturales más importantes.

El legado se ha organizado en diferentes categorías: documentación personal y familiar, obra creativa, documentación laboral, correspondencia, premios, recuerdos y objetos personales, documentación gráfica, diarios y recortes de prensa, obra ajena.

La documentación personal y familiar incluye álbumes con fotos familiares, cuadernos con apuntes escolares de la infancia, documentos sobre su paso por la división azul o recuerdos personales, como abonos al Valencia club de fútbol o colecciones de felicitaciones navideñas recibidas de otras estrellas del cine. .

Guiones originales, mecanografiados o manuscritos, con anotaciones e ideas del propio Berlanga, forman parte de los trabajos creativos. Entre otras, hay varias versiones de algunas de sus películas más icónicas como ‘Esta pareja feliz’, ‘¡Bienvenido, Sr. Marshall!’ o ‘Plácido’, así como un gran número de guiones de proyectos inconclusos.

Los archivos, según el ministerio, documentan perfectamente a través de estos escritos los constantes enfrentamientos y enfrentamientos que sufrió Berlanga con la censura franquista y nos permitirán conocer, de primera mano, sus consecuencias en una de las obras artísticas españolas más relevantes de los últimos siglo. También hay una amplia muestra de borradores de discursos, conferencias, intervenciones en congresos, encuentros académicos y otro tipo de foros a lo largo de varias décadas.

Los archivos también mantienen correspondencia con algunas figuras clave del cine español como Rafael Azcona, Juan Antonio Bardem, Basilio Martín Patino, Luis Ciges o José Luis López Vázquez. A ello se suman alrededor de un centenar de premios y galardones, además de recuerdos y objetos personales como documentación de la ceremonia de los Oscar de 1962 en la que fue nominado “Plácido”.

Fotos, carteles y dibujos.

La documentación gráfica también ocupa un lugar destacado en el legado del cineasta: positivos sobre papel, negativos y diapositivas de fotografías con temática personal, familiar y profesional, pero también actos institucionales y políticos y fotografías del rodaje de varias de sus películas.

Entre los documentos también hay muchos dibujos realizados por Berlanga con una temática variada. Algunos de ellos son eróticos y otros son solo personajes, objetos o cómics. Están realizadas sobre una gran variedad de soportes y con diversas técnicas como el carboncillo, la acuarela o el rotulador. También hay cuadernos con «guiones gráficos», como «¡Bienvenido, Sr. Marshall!» o el de ‘Calabuch’, así como planos generales, como el de ‘Esa pareja feliz’, y archivos gráficos de búsqueda de localización.

Este conjunto se complementa con una colección de carteles de cine, propios y ajenos, así como de festivales de cine, así como material promocional de sus películas. Los archivos también contienen recortes de prensa, periódicos y fotocopias de artículos con entrevistas e información sobre las películas de Luis García Berlanga que han aparecido en diferentes publicaciones.

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La Berlinale presenta dos formas de renovar el cine español

Han pasado quince años desde que Carla Subirana creó su primer largometraje documental hasta que presentó hoy en la Berlinale su primera película de ficción, «Sica», pero este hecho se basa en una distinción que para ella no tiene sentido. “Si entonces ‘Nadar’ (2008) era un documental estructurado como una ficción, hoy ‘Sica’ es una ficción creada según una metodología documental”, nos cuenta el cineasta barcelonés. «Para mí, los dos formatos son dos caras de la misma moneda».

La nueva película está protagonizada por una niña de 14 años que, tras el naufragio de su padre, espera que el mar le devuelva su cuerpo, y mientras investiga las circunstancias de su muerte, se embarca en un doloroso viaje de descubrimiento. Fue rodada en la Costa da Morte, La Coruña, cuyo mar es uno de los más peligrosos del mundo. “Lo visité en 2016 y quedé asombrado”, recuerda Subirana. «El impacto emocional que me causó me convenció de que tenía que hacer una película allí».

La presencia en la Berlinale de «Sica» y «20.000 especies de abejas», la película de Estíbaliz Urresola que aspira este año al Oso de Oro, parece certificar el buen estado del cine español dirigido por mujeres; En los últimos años, este festival, sin ir más lejos, ha servido de trampolín para la carrera de cineastas como Carla Simón, Pilar Palomero y Alauda Ruiz de Azúa; Subirana, en todo caso, huye del triunfalismo.

Presencia femenina insuficiente

“Cuando creé ‘Nadar’, la presencia femenina en nuestro cine era dolorosamente anecdótica, y está claro que hemos recorrido un largo camino; pero las estadísticas muestran que la presencia de mujeres es todavía muy insuficiente. Un desequilibrio tan grande como el que había no se puede corregir en dos días. Tenemos que seguir trabajando».

Si ‘Sica’ fue rodada en Galicia por un catalán, ‘Samsara’ -presentada hoy también en competición alemana fuera de competición oficial-, es la ficción de un gallego rodada a medio camino entre Laos y Zanzíbar. La hermosa nueva película de Lois Patiño utiliza el ciclo de nacimiento, vida, muerte y resurrección presente en ciertas religiones y escuelas filosóficas como vehículo para oponer dos culturas; uno, encarnado por una escuela de monjes budistas; el otro, por una comunidad de mujeres que trabajan en granjas de algas.

Claramente dividida en dos partes a través de un interludio hipnótico de cine puramente experimental -que Patiño elaboró ​​a partir de referencias como la obra de Stan Brakhage y ‘Blue’ (1993), de Derek Jarman-, ‘Samsara’ certifica algo como un punto de inflexión en la vida viguesa trabajar. Centrado inicialmente en la tradición y el mito gallego, en los últimos años -también a través de los cortometrajes ‘Sycorax’ (2021) y ‘El sembrador de estrellas’ (2022)- se ha embarcado en la exploración de otras tradiciones culturales. “Siempre he sido un viajero”, confiesa Patiño al respecto. “Y me interesa romper con la homogeneidad de la cultura occidental que domina nuestras pantallas, porque ver la vida desde otros ángulos nos puede enseñar mucho”.

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Actores y actrices españoles que silenciaron a sus detractores

Este año ha sido Antonio de la Torre quien, aprovechando su papel de presentador de la gala de los Goya, ha tomado el micrófono para reconocer en horario de máxima audiencia la labor de compañeros como Santiago Segura, que «hacen cine mucho más comercial, llenan la salones y recaudan dinero para la industria, pero nunca están presentes en los premios”. Corría el año 2016 cuando Dani Rovira hizo algo parecido, aunque fuera un reclamo: un Goya para Mario Casas por ser el actor que más espectadores atrajo al cine.

Los espectadores se llevaron las manos a la cabeza: la testarudez premia el talento, no el éxito… Pero se le ocurrió: en 2021 la Academia le eligió mejor actor principal por No matarás, película en la que colaboró ​​con la murciana Milena Smit . El actor es uno de los intérpretes españoles que consiguió silenciar tantas críticas negativas por méritos propios.

casas mario

Aunque debutó en el cine de la mano de Antonio Banderas con El camino de los ingleses -cuando se podía ver lo que era prácticamente un niño en compañía de mayores, como Juan Diego o Victoria Abril-, Mario Casas siempre ha pesado mucho después de jugar Tres metros sobre el cielo. El personaje de Axe fue casi una condena: costaba quitarse el lastre de la fama de ser un actor que solo conseguía papeles por su aspecto y no por sus habilidades.

Él mismo admitió públicamente en 2018: “Me gustaría saber la percepción que le doy, porque creo que hay gente que todavía cree que soy el de Tres metros sobre el cielo. eso no. Es una película que marcó mucho, para bien y para mal”.

El gallego de 36 años ha demostrado que con trabajo, vocación y disciplina todo es posible. Antes de rodar también: ultramusculosa en Toro, con 22 kilos menos en El fotógrafo de Mauthausen y diez más en Bajo la piel del lobo. Se enfocó en la versatilidad para crecer y nunca dejó de trabajar. Ensarta proyectos uno tras otro.

El productor de El practicante (Netflix, 2020), Miguel Ruz, formaba parte de este público sorprendido por su evolución: “Cuando vemos jugar a Mario Casas, consigue que la gente se olvide de los personajes que ha interpretado en películas anteriores”.

Tras títulos como El bar, Adiós, Hogar, El practicante o No matarás, ya no se le cuestiona. Le costó madurar profesionalmente, pero esta carrera de fondo le ganó todo el respeto.

Ana de Armas

Ahora todo son elogios para Ana de Armas. Es mucho más fácil hacerlo cuando obtienes la predecible nominación al Oscar por Blonde. Sin embargo, la actriz que da vida a Marilyn Monroe en la película de Netflix es otra que ha tenido que escuchar duras críticas por su trabajo desde que fue una de las protagonistas de El Internado (Antena 3). También es cierto que participar en largometrajes como Mentiras y gordas marca mucho -también es prueba de la influencia de un buen director detrás del trabajo de un actor-, pero es sólo cuando pisa suelo americano que comenzó a ser elogiado.

En 2014 llegó a Los Ángeles para empezar de cero, sin dominar el idioma, y ​​estuvo cuatro meses preparándose a tiempo completo. Su primer papel en Hollywood le llegó casi por casualidad: conoció en el aeropuerto a un productor que conocía al director Eli Roth, y la contrataron junto a Keanu Reeves en Knock Knock (2015).

Luego de filmar varias películas, logró llamar la atención de la crítica con su papel en Blade Runner 2049 (2017), pero su gran estreno fue Puñales por la espalda (2019), que le valió una nominación a los Globos de Oro.

Una vez fue una chica Bond en Sin tiempo para morir y, a pesar de que Blonde no es una gran película, logró ser considerada para la estatuilla. Será el cubano-español de 34 años quien permitirá que el largometraje tenga presencia en los Oscar. La revista Time acertó en 2021 cuando la incluyó entre los 100 “líderes emergentes de la próxima generación”.

Elsa Pataki

Elsa Pataky sigue en el saco de «personaje mítico de serie adolescente» por su papel en Al salir de clase, y ya han pasado más de 25 años. Hizo mucho más, tanto que su filmografía es eterna: trabajó en las industrias estadounidense, francesa, italiana y británica; Hizo giras con José Luis Garci -en Ninette, que fue candidata a representar a España en los Oscar- o Bigas Luna; Ha aparecido en éxitos de taquilla como Fast and Furious y, para colmo, ha tenido que luchar contra la etiqueta de «esposa de» debido a su relación con Chris Hemsworth.

El madrileño, que se mudó a Los Ángeles en 2004 y habla cinco idiomas, ha compartido reparto con grandes estrellas internacionales, y eso no es raro. En Interceptor, aunque no destacó como producción, la actriz de 46 años demostró que podía y sabía hacerlo.

En estos momentos se encuentra en España, apoyando de nuevo a las marcas made in Spain, donde confesó que tenía muchas ganas de rodar un proyecto en su país natal. Como dijo Juliette Binoche la semana pasada, nadie es profeta en su país. Bonus Track, una pequeña curiosidad: fue compañera de clase de Sonsoles Ónega cuando estudiaba periodismo.

Jaime Lorente

El murciano, que viene del teatro, es uno de los muchos que han impulsado su carrera tras su paso por El secreto de Puente Viejo (Antena 3). La serie diaria le llevó a fichar por La casa de papel, que se estrenó en el mismo canal. Entonces cargó sobre sus hombros el reproche de ser “uno más de esos jóvenes intérpretes que no vocalizan”, como se podía leer constantemente en las redes, incluso con el reconocimiento que le otorgó el Sindicato de Actores por el papel de Denver.

Sin embargo, cuando la ficción se convirtió en un éxito mundial tras la apertura de las fronteras en Netflix -al punto de ganar un Emmy- las cosas cambiaron. Competir en la serie española más internacional de la historia también le convirtió en una estrella, y su buen hacer finalmente fue reconocido.

Difícil superar el boom de La casa de papel, aunque el murciano de 31 años lo logró con cambios de registro constantemente aplaudidos: La sombra de la ley, ¿A quién te llevarías a una isla desierta?, 42 segundos… y rodado a las órdenes del propio Asghar Farhadi en Todo el mundo lo sabe, con Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín y Bárbara Lennie.

Actualmente recibe premios por su interpretación de Ángel Cristo en la serie Cristo y Rey, que narra la vida del artista circense y su matrimonio con Bárbara Rey. “El mejor papel de su carrera hasta el momento” es la nota más repetida. Pudo trabajar en Hollywood con un director de renombre, al que hizo una jugada maestra, pero prefirió la calidad de vida que tiene en España. Los proyectos abundan.

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Tambores de Calanda para despedir a Carlos Saura

Junto a su rostro y su féretro, cinco objetos, cinco símbolos de la vida y pasiones de Carlos Saura. Su icónico sombrero, las gafas con las que tan inteligentemente miraba el mundo, una rosa roja, una cámara que él mismo hizo y esta gran silla de director. Nunca 91 años se han utilizado tanto… no sólo para él, sino también para sus sucesivas generaciones. Muchos directores sienten que son parte de su escuela. Más de 50 películas que han resonado en el mundo con tanta fuerza como aquellos tambores de Calanda, que hoy le rinden homenaje y que ya resonaron hace décadas en su ‘Peppermint Frappe’.

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Eduardo Casanova | Así es ‘La piedad’, de Eduardo Casanova: una fábula subversiva sobre la dictadura

‘La Piedad’

Dirigida porEduardo Casanova

Intérpretes Ángela Molina, Manel Llunell, Ana Polvorosa, María León, Antonio Durán, Macarena Gómez, Daniel Freire, Songa Park, Alberto Jo Lee

Año 2022

Estreno el 13 de enero de 2023

★★★★

Eduardo Casanova demostró con su ópera prima, ‘Pieles’, que nos encontrábamos ante un pájaro raro en el cine español. Un director capaz de atreverse a hacer cosas diferentes, como configurar un universo personal intransmisible entre lo grotesco y lo ingenuo, sin miedo a transgredir, perturbar o experimentar.

El asunto podría haber terminado ahí, en los inicios de los terroristas suicidas, pero su segundo largometraje confirma que no, todavía queda mucho por indagar en la cabeza profundamente imaginativa y subversiva de Eduardo Casanova.

«La piedad» se centra en una sola historia (a diferencia de lo que ocurría en «Pieles», de carácter más coral y fraccionario): la relación entre una madre y un hijo y la toxicidad que se genera entre ellos hasta el punto de convertirse en una patología. . Ella (una totémica e impresionante Ángela Molina) se llama Libertad, y eso es precisamente lo que le niega a su hijo Mateo (el excelente joven Manel Llunell, que se transforma casi en una transcripción del propio cineasta) para no convertir su vida en una prisión. , en un espacio asfixiante y siniestro donde palpitan la enfermedad y la locura.

dictadura matriarcal

En ese momento, Casanova trazó una doble pirueta asesina, audazmente cercana a la del cine del primer Julio Medem: la de comparar la dictadura matriarcal con el totalitarismo norcoreano para hablar de la represión y el sentimiento de sometimiento y, casi milagrosamente, la metáfora funciona, porque es el cine del director, profundamente libre y atrevido, y sólo a través de estas dos virtudes se realizan verdaderas epifanías cinematográficas.

‘La piedad’ es un relato macabro, una fábula metafórica, pero también una oda a la fantasía plástica en la que las imágenes, los colores y las texturas, la composición artística, así como una prodigiosa banda sonora, funcionan como una sinfonía que arrastra, desconcierta, fascina y molesta al mismo tiempo.

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