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Nuevas películas de Watchmen y Justice League anunciadas para 2024

Durante la Comic-Con de San Diego, DC anunció dos nuevas películas de superhéroes que se estrenarán en 2024. Se trata de dos películas animadas, una de la Liga de la Justicia que adaptará el aclamado arco narrativo de Crisis en Tierras Infinitas, y otra de Watchmen, la novela gráfica de Alan Moore y Dave Gibbons. Dos títulos que se sumarán a Joker: Folie à Deux, la única película basada en personajes de DC prevista para la próxima.

Según información publicada por The Direct, DC ya prepara dos nuevas adaptaciones para su universo animado. Dos producciones que nada tendrán que ver con la nueva era del DCU que prepara James Gunn, y que comenzará en julio de 2025 con Superman: Legacy.

El primero de estos proyectos reunirá a los grandes héroes de la editorial en una nueva adaptación de La Liga de la Justicia basada en la historia del cómic Crisis en Tierras Infinitas. Una trama sobre realidades paralelas y universos alternativos que ya saltó a la pequeña pantalla en el Arrowverso de The CW, con un gran crossover que involucró series como The Flash, Legends of Tomorrow y Arrow.

Compuesto por doce volúmenes publicados entre abril de 1985 y marzo de 1986 por Marv Wolfman, Crisis on Infinite Earths narra cómo los héroes de la Liga de la Justicia de todo el multiverso deben unirse para detener al Anti-Monitor mientras busca destruir todas las realidades. Esta película podría marcar el final del Tommowverse, el universo de las películas animadas de DC, antes de la llegada de James Gunn, quien liderará una nueva era dentro de la franquicia que, además de proyectos de imagen real, también incluirá producciones animadas como la serie Creature Commandos.

Watchmen… ¿nueva adaptación o secuela?

El segundo de los proyectos anunciados es Watchmen, aunque DC no ha confirmado si se tratará de una nueva adaptación animada del cómic original de Alan Moore y Dave Gibbons, que ya tuvo una versión live-action en 2009 dirigida por Zack Snyder, o si, por el contrario, será una secuela o spin-off como la serie de HBO creada por Damon Lindelof en 2019.

Dos avances además de Joker: Folie à Deux, la secuela de la película protagonizada por Joaquin Phoenix en 2019 y que también protagonizará Lady Gaga como Harley Quinn. Todd Phillips volverá a dirigir la cinta que se estrenará el 4 de octubre del próximo año.

Más adelante, en diciembre de 2023, llegará a los cines Aquaman and the Lost Kingdom, una secuela que estará protagonizada por Jason Momoa y Amber Heard y será dirigida, al igual que la película original, por James Wan.

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Bruce Lee, el ícono que fue más que un maestro de las artes marciales

Las circunstancias en las que murió Bruce Lee, hace apenas medio siglo, son perfectas para crear mitos: lo hizo con tan solo 32 años, mientras dormía la siesta en casa de su amante y tras haber consumido grandes cantidades de cannabis, y eso que estaba detrás sí un reguero de teorías conspirativas. Su autopsia concluyó que había muerto de un edema cerebral provocado por una reacción alérgica a un analgésico, y los investigadores españoles demostraron hace solo unos meses que su muerte se debió en realidad a la incapacidad de sus riñones para excretar el exceso de agua que había ingerido. Pero sería una pena dejar que la evidencia matara a la leyenda. Según ella, o más bien ellos, Lee fue envenenado. La Tríada lo acabó. Fue víctima de una maldición. Murió a causa del mal Feng Shui.

Ya era una estrella en Asia por entonces, pero hizo falta el estreno póstumo en Estados Unidos de su última película, ‘Operación Dragón’ (1973) para iniciar el proceso que le convertiría en uno de los iconos pop más indiscutibles del siglo. del siglo XX a pesar de que solo completó cuatro largometrajes que, sí, incluyeron algunas de las escenas de lucha más emocionantes jamás filmadas. Pero su relevancia cultural no está solo en su velocidad felina, su fluidez de movimiento casi líquida y los espeluznantes gritos que emite durante sus peleas.

Lee se vio a sí mismo como una amalgama de tradiciones y tendencias, un puente entre Oriente y Occidente y un híbrido de artes marciales, filosofía y misticismo. En lugar de tomar el relevo de los grandes maestros del kung fu chino, decidió crear su propia disciplina de lucha, llamada Jeet Kune Do, que tomó prestados elementos de muchos otros estilos de lucha, y sobre la que está escribiendo un libro que hoy considera fundamental; Asimismo, dejó plasmado su pensamiento teórico en siete volúmenes de escritos sobre temas como el taoísmo, la psicoterapia o la física cuántica.

De Estados Unidos a Hong Kong

También se le considera una figura racialmente revolucionaria. Hasta que alcanzó la fama póstuma en Occidente, los personajes asiáticos a menudo se representaban allí exclusivamente como caricaturas cómicas, villanos caprichosos o seres increíblemente ingeniosos; él, en cambio, era un galán nato lleno de carisma y sensualidad. Durante su vida, eso sí, tuvo que soportar el racismo tanto en Estados Unidos, donde nació, como en Hong Kong, donde creció y fue discriminado muchas veces por el origen caucásico de su madre.

Algún tiempo después de mudarse a los Estados Unidos a la edad de 19 años, obtuvo un papel secundario en la serie ‘The Green Hornet’ y algún otro trabajo aislado para la pantalla, pero los productores de la serie ‘Kung Fu’, basada en un idea aparentemente robada del propio Lee, fue rechazada para el papel principal porque parecía demasiado asiático para el público estadounidense. Una vez de regreso en Hong Kong, revolucionó el cine de artes marciales con el éxito de «Karate to the Death in Bangkok» (1971), «Oriental Fury» (1972) y «The Dragon’s Fury» (1972).

El fallecimiento de Lee generó un subgénero de películas conocido como ‘Bruceploitation’, con tipos que se parecían a él y recibieron su nombre, incluidos Bruce Li, Bruce Le, Dragon Lee, Conan Lee y Bronson Lee, imitando su estilo de tiro de combate; y en 1978 se estrenó una versión bastarda de la película que estaba haciendo cuando murió, «El juego de la muerte», que incluía solo 11 minutos del material que había dejado filmado e incorporaba imágenes de su funeral.

Sin embargo, en medio de estas prácticas vampíricas, su verdadero legado comenzó a cobrar vida: Lee se convirtió en un referente en áreas como los cómics, los videojuegos y el hip hop; fue modelo tanto para todas las estrellas del cine de acción moderno de Hong Kong -Jackie Chan, Jet Li, Michelle Yeoh-, como para figuras de las artes marciales occidentales como Jean-Claude Van Damme. Su legado ha sido un ingrediente esencial para sagas como ‘The Matrix’ y ‘John Wick’ y, por supuesto, las películas de Quentin Tarantino, y promete desencadenar una nueva ‘Brucemanía’ si el ‘biopic’ en el que Ang Lee aseguraba trabajar. . Por supuesto, no será lo mismo.

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Barbie, una muñeca de película

Antes de empezar el rodaje de ‘Barbie’, la particular odisea de la muñeca Barbie en el mundo real tras ser expulsada de su hábitat natural de muñecas, la directora del filme, Greta Gerwig, le pidió a Margot Robbie que viera cinco películas para preparar el personaje. Dos fueron los musicales de Jacques Demy «Los paraguas de Cherburgo» y «Les Demoiselles de Rochefort», representados en estilizados y coloridos mundos de artificio. También la caprichosa historia de amor entre un hombre y una sirena contada en ‘Un, dos, tres… splash’; la comedia de amores adolescentes y surfistas ‘Al diablo la puberta’ y, por último, ‘El show de Truman’, conectadas a través de la idea de alguien (Truman y Barbie) que escapa del mundo imaginario en el que vive para conocer el Mundo real. No le recomendó que viera las múltiples películas en las que el famoso muñeco creado por la firma Mattel hace 64 años era el protagonista.

Ryan Gosling está negociando para ser Ken en la película de Barbie

La primera aparición audiovisual de la icónica muñeca fue con «Barbie and the Rock Stars: Out of This World» (1987), un musical galáctico animado de 30 minutos para televisión. A partir de 2001 llegarán unas 40 películas animadas por ordenador, muchas de ellas con la voz de la dobladora canadiense Kelly Sheridan como Barbie y destinadas al mercado del vídeo y DVD: sólo para los muy fans.

El primero fue «Barbie en el cascanueces», en el que la muñeca baila al son del ballet de Tchaikovsky. Las historias de Barbie seguirían con ‘Rapunzel’, ‘El lago de los cisnes’, ‘Miniatura’ o ‘Cuento de Navidad’, con algunas excepciones muchas transposiciones en mundos de fantasía como ‘The Barbie Diaries’ (2006), donde se muestra como un inseguro adolescente, o una adaptación de ‘Los tres mosqueteros’ de 2009 en la que Barbie imita a D’Artagnan y quiere convertirse en mosquetera. Con el tiempo, dejará atrás los cuentos de hadas y protagonizará historias relacionadas con los videojuegos, el espionaje o la aventura espacial.

Pero su impacto en la cultura popular es mucho más grande – en el verano de 2009, cuando cumplian 50 años de su nacimiento, la déaparecida La Sala Vinçon de Barcelona organizó una exposición central sobre la evolución de la muñeca en el mundo de la moda, el diseño, la fotografía y la publicidad– y ha sido utilizado en propuestas relevantes de todo tipo, caso del cuadro de Andy Warhol ‘Portrait of Billy Boy as Barbie’, realizado en 1986. El maestro del pop art pintando al juguete más pop de la historia.

El mediometraje debut de Todd Haynes ‘Superstar: The Karen Carpenter Story’ (1987) se centra en la música de Carpenters y la anorexia nerviosa que sufre la batería y cantante del dúo, Karen Carpenter, fallecida a los 33 años. . Lo especial de esta ‘biopic’ experimental es que el futuro director de ‘Lejos del cielo’ y ‘Carol’ retrató la historia de Karen mezclando material documental con recreaciones imaginativas filmadas con muñecas Barbie que representan a todos los personajes.

La idea era demoledora: Barbie representó durante décadas un ideal canonizado de belleza femenina que fomentó muchos trastornos alimentarios como la propia anorexia. Al principio no hubo problema con la familia, que incluso renunció a los derechos de las canciones originales del dúo, pero en 1990 el hermano de Karen, Richard, demandó a Haynes por infracción de derechos de autor. El cineasta perdió el caso y la película fue retirada de circulación en 1990, convirtiéndose desde entonces en una auténtica película de culto.

También hay una película surcoreana llamada ‘Barbie’, de 2011, completamente ajena a la icónica muñeca: Barbie aquí es el nombre de la hija de un estadounidense que está a punto de adoptar a una niña coreana.

Tras una breve aparición como guía turística en ‘Toy Story 2’ (1999), Barbie tuvo un papel protagonista en ‘Toy Story 3’ (2010), en la que se sumó Ken. Aparece, con la voz de Michael Keaton, como el apuesto anfitrión de Woody y el resto de los juguetes de la guardería de Sunnyside, aunque su interés desde el principio es la Barbie (con la voz de Jodi Benson) que le regaló la hermana de Woody. guardería. Barbie mira a Ken, hipnotizada por su cabello rubio, su bufanda floreada y su camisa desabrochada, y le pregunta si alguna vez se conocieron. Más tarde, impresionada por el generoso guardarropa de Ken, le pide que haga un desfile de moda solo para ella. Pixar ha puesto la ambigüedad erótica de la pareja de muñecas en el lugar que le corresponde.

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“El caso Braibanti”: subyugación moral

Director: Gianni Amelio

Con: Luigi Lo Csscio, Elio Germano, Leonardo Maltese

Año: 2022

Estreno: 14/07/23

★★★

El veterano director italiano Gianni Amelio profundiza en la historia real de Aldo Braibanti en su última película, contándola en tres momentos diferentes y desde diferentes enfoques y puntos de vista. Con una carrera similar a la de Pier Paolo Pasolini, Braibanti fue un intelectual, escritor y dramaturgo de izquierda que, en la represiva sociedad italiana de los años 60, fue acusado, condenado y encarcelado por lo que entonces se llamaba subyugación moral, que era un enmascarado. forma de represión contra los homosexuales. Fue en la época de Mussolini que nació esta ambigua noción, ya que si se usaba la palabra homosexual en la prensa o en un juicio, se aceptaba que la homosexualidad existía en el país, lo cual era inadmisible para las mentes más reaccionarias de la época. .

Braibanti «sometió moralmente» a uno de sus alumnos. Se hicieron amantes sin que uno impusiera nada al otro. El niño, de familia burguesa, también fue castigado. La madre estaba convencida de que la homosexualidad y el comunismo eran enfermedades que se podían combatir, por ejemplo, con la lobotomía. Y encerró a su hijo y le permitió someterse al tratamiento. Amelio lo cuenta todo con elegancia, sin cargar las tintas ni esconder algunos aspectos cuestionables en la forma de ser y actuar de Braibanti. Su relación con su madre es una de las mejor trabajadas de toda la película.

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ESTRENOS DE CINE | Lo más destacado de la cartelera de ‘Misión Imposible’ y ‘Elemental’ de Pixar

El nuevo episodio de ‘Misión Imposible’, otra historia llena de acción y con Tom Cruise demostrando que 61 años no son suficientes para frenar acciones peligrosas, llega este miércoles a los cines españoles, dos días antes del estreno del resto de títulos.

El grueso de los estrenos semanales se estrenará el viernes, entre los que destaca el último título de animación de Pixar, “Elemental”, que viene con un cortometraje gratuito.

«Misión Imposible: Pena de Muerte – Primera Parte»

Séptima entrega de la saga de acción y espionaje protagonizada por Tom Cruise que llevó al cine la popular serie de televisión «Misión Imposible» de los años sesenta. Dirigida nuevamente por Christopher McQuarrie, es la primera parte de una historia dividida en dos películas y la segunda se estrenará en junio de 2024.

En esta ocasión, Ethan Hunt (Cruise) y su equipo IMF -relevado por Simon Pegg (Benji), Ving Rhames (Luther) o Rebecca Ferguson (Ilsa)- deben localizar una nueva y aterradora arma que amenaza a toda la humanidad, una misión que los lleva por ciudades como Roma o Venecia en una historia en la que reaparece La Viuda Blanca (Vanessa Kirby).

‘Elemental’

Dirigida por Peter Sohn, ‘Elemental’ es la nueva apuesta de Pixar. Una experiencia inmersiva y una de las apuestas tecnológicas más ambiciosas del estudio, aunque de momento no ha conseguido un resultado muy relevante en taquilla, con 253 millones de dólares en todo el mundo, lejos de los 1.000 más que otros títulos del estudio como ‘Toy’. Historia 4′ (2019) o ‘Los Increíbles 2’ (2018)

«Elemental» se desarrolla en una ciudad habitada por personajes compuestos por elementos de la naturaleza -agua, aire, fuego, tierra-, y gira en torno a la relación entre Candela (una niña en llamas e inmigrante de segunda generación) y un niño de una agua llamada Nilo. Una historia sobre las relaciones entre padres e hijos y el choque cultural.

Un largometraje cuyos estrenos van acompañados del cortometraje ‘Carl’s date’, que recupera el personaje de Carl Fredricksen y su perro Dug, protagonistas de ‘Up’ (2009). Esta vez, el hombre accede a tener una cita con un amigo.

«Esperando a Dalí»

La ópera prima de David Pujol es una historia sobre la vida, el amor y la comida, protagonizada por Iván Massagué, Clara Ponsot, Nicolas Cazalè, Pol López y Paco Tous, que se estrena en la sección oficial del Festival de Cine de Málaga.

La historia comienza en la Barcelona de 1974, al final del franquismo, con dos hermanos cocineros como protagonistas, aunque solo uno se centra en el cocinero, mientras que el otro divide su tiempo entre el restaurante y las manifestaciones contra la dieta.

«Entre las higueras»

El cineasta tunecino Erige Sehiri dirige un reparto no profesional para contar la vida y los sueños de unos jóvenes que se dedican a recoger higos en el norte de Túnez durante una jornada laboral.

Es la primera película de ficción de un director especializado en documentales. Una obra estrenada en la Quincena de Realizadores de Cannes y que obtuvo el Premio a la Mejor Película en el Festival de Namur (Bélgica) y el Premio del Público en el Festival de Cine Africano.

«El regreso de las golondrinas»

Ganadora de la Espiga de Oro de la Seminci en 2022, esta película dirigida por el chino Li Ruijun, tuvo problemas de censura en China por haber mostrado la pobreza y degradación del medio rural, pero también la especulación urbana.

Estrenada en la Berlinale, la película cuenta cómo se construye una historia de amor y respeto que comienza con un matrimonio concertado entre dos personas expulsadas de sus respectivas familias: una mujer estéril y un granjero que se está haciendo demasiado viejo para continuar solo.

«El asunto Braibanti»

El veterano cineasta italiano Gianni Amelio comenzó a preparar un documental que luego se convirtió en ficción para contar la historia de Aldo Braibanti, un dramaturgo y poeta italiano que en la década de 1960 fue acusado de «plagio psicológico», una figura criminal que desapareció en la década de 1980. quien fue utilizado enjuiciar a los homosexuales por someter a otros hombres a su voluntad.

Dirigida por Luigi Lo Cascio y Leonardo Maltese, narra, a medio camino entre el realismo y el naturalismo, la relación romántica que se desarrolla entre un maestro y su alumno en la Italia de los años sesenta.

‘Nada’

Basada en el libro del mismo nombre de la directora danesa Janne Teller, «Nothing» es un thriller sobre un grupo de jóvenes que se embarcan en un viaje lejos de la seguridad y la inocencia de la infancia, dirigido por Trine Piil Christensen.

Protagonizada por jóvenes como Vivelill S. Holm, Harald K. Hermann o Peter Gantzler, la historia cuenta cómo Pierre Anthon dice que la vida no tiene sentido y abandona la escuela, lo que provoca la reacción de sus amigos, que van en su busca.

Y también ‘Viento del Sur’ y ‘El Sin Culpa’

‘Viento Sur’, dirigida por Álvaro García-Capelo, está ambientada en la cornisa cantábrica para adentrarse en la soledad de un hombre que sale de prisión tras cumplir una condena por corrupción.

Mientras que el thriller psicológico de Ivan Gergolet ‘The Guiltless Man’ cuenta la historia de una enfermera viuda que cuida a un hombre en coma, que resulta ser el responsable de la muerte de su marido a raíz de una enfermedad provocada por el amianto.

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David Corenswet será el nuevo Superman de DC

David Corenswet, el nuevo Superman del universo DC Studios.

El co-CEO de DC Studios, James Gunn, ha confirmado al actor David Corenswet como el nuevo papel principal en su película ‘Superman: Legacy’. Gunn, el escritor y director de la película, ha confirmado a través de Instagram que Corenswet será el actor que dará vida al famoso periodista y superhéroe encubierto Clark Kent en la película que se estrenará el 11 de julio de 2025. La película será producida por Peter Safran, codirector del estudio con Gunn, y forma parte del proyecto ‘Gods and Monsters’ con el que DC Studios pretende revivir el universo DC Comics, tras una serie de fracasos de taquilla como ‘Black Adam’ y ‘Shazam !’. El director también anunció que la actriz Rachel Brosnahan será la nueva Lois Lane, reportera del Daily Planet y principal interés amoroso de Kent en la ficción.

A principios de este año, Safran se burló de que «Superman: Legacy» mostrará el viaje que emprenderá el superhéroe creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, y sus intentos de reconciliar su herencia kryptoniana con su educación humana como Clark Kent de Smallville, Kansas. Corenswet reemplaza a Henry Cavill, el último actor que dio vida a Superman hace una década en la película de Zack Snyder ‘Man of Steel’ y se ganó el corazón de los fanáticos con su actuación, mientras que Brosnahan reemplaza a Amy Adams como Lane.

David Corenswet se hizo un nombre con la serie ‘The Politician’, pero antes ya había participado en proyectos como la miniserie ‘Hollywood’ o ‘Moe and Jerryweather’, donde él mismo dirigía sketches de cómic. Otro de los trabajos que catapultó su carrera fue la película de terror «Pearl» (2022), de Ti West, y su próximo proyecto televisivo será junto a Natalie Portman en la serie de Apple «The Lady In The Lake». Sin embargo, ‘Superman: Legacy’ podría ser el gran papel para el joven de 29 años nacido en Filadelfia, Estados Unidos.

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Estrenos de cine | La saga Transformers, Robert de Niro, Omar Sy y Paul Schrader en el cartel de la película

La séptima entrega de la saga ‘Transformers’ llega este viernes a los cines, así como una comedia sobre choques culturales con Robert De Niro, un drama bélico con Omar Sy o la última película de Paul Schrader, ‘The Master Gardener’, con Joel Edgerton y Sigourney Tejedor. También se estrena el thriller español ‘La desconocida’, sobre el ciberacoso a menores, y un thriller francés con Isabelle Huppert.

‘Transformers: El origen de las bestias’

Con Steven Spielberg como productor ejecutivo, regresa una de las sagas más taquilleras del cine de acción y ciencia ficción, basada en dos facciones robóticas, los Autobots y los Recepticons, que provienen del planeta Cybertron y son capaces de tomar diferentes formas, como vehículos. o animales.

Luego de cinco entregas dirigidas por Michael Bay, el «spin-off» «Bumblebee» se estrenó en 2018 y ahora llega su precuela, «Transformers: Rise of the Beasts», una nueva aventura alrededor del mundo, con gran parte de la trama en peruanos. Escenas, dirigida por Steven Caple Jr y protagonizada por Anthony Ramos y Dominique Fishback.

«Todo sobre mi papá»

El comediante estadounidense Sebastian Maniscalco hace su debut cinematográfico junto a Robert De Niro en esta comedia de choque cultural basada en su propia relación con su padre real y la vida familiar como hijo de inmigrantes italianos.

Dirigida por Laura Terruso, cuenta con un reparto con Leslie Bibb, Kim Cattrall y David Rasche.

«El maestro jardinero»

Guionista de ‘Taxi Driver’ y ‘Toro salvaje’ y director de obras de culto como ‘American Gigolo’ (1980), Paul Schrader cierra la trilogía de ‘El reverendo’ (2017) y ‘El contador de cartas’ con este drama psicológico (2021 ).

La trama gira en torno a un jardinero concienzudo (Joel Edgerton) que cuida y protege cuidadosamente el lujoso jardín de una viuda adinerada (Sigourney Weaver) mientras lucha contra los fantasmas de un pasado neonazi.

‘Quedarse a mi lado’

Basada en las memorias del periodista Michael Ausiello (Jim Parsons), ‘Stand By Me’ narra su historia de amor con el fotógrafo Kit (Ben Aldrige), quien le ofrece una nueva familia y un nuevo círculo de amigos.

Michael cree que su vida se está desarrollando como el guión de una de las comedias románticas que tanto ama, sin imaginar los giros que dará el destino que transformará su relación con Kit.

«Padre y soldado»

Uno de los actores más populares de Francia, Omar Sy, protagoniza esta historia dirigida por Mathieu Vadepied, que se sitúa en 1917 en la colonia francesa de Senegal, donde Francia reclutó a la fuerza a jóvenes senegaleses para integrar su cuerpo de infantería y artillería en la primera Guerra Mundial.

Sy asume el papel de un hombre que se alista para quedarse con su hijo de 17 años, que ha sido reclutado a la fuerza.

«La mujer desconocida»

Inspirada en una obra de teatro de Paco Bezerra y dirigida por Pablo Maqueda, «La desconocida» es un thriller de tono realista y muchos giros argumentales que aborda el tema del ciberacoso a menores y la inquietud que suscita la posibilidad de convivir con los monstruos sin saberlo .

La trama, protagonizada por Laia Manzanares y Manolo Solo, gira en torno a un encuentro en un parque entre una ingenua joven estudiante y un hombre al que conoció a través de una conversación haciéndose pasar por un chico de 16 años.

«Un objetivo fácil»

Dirigida por Jean-Paul Salomé, «Un blanco fácil» cuenta la historia real de Maureen Kearney (Isabelle Huppert), la líder sindical de una multinacional nuclear francesa, que denuncia acuerdos secretos que significan la pérdida de empleo para más de 50.000 trabajadores.

Se trata de un thriller sobre una mujer que denuncia y nadie la escucha y que, tras ser sometida a violentas presiones que se convierten en advertencias amenazantes, sufre un violento ataque en su domicilio que la convierte de víctima en sospechosa. .

‘Mi hermano pequeño’

Ganador de la Camera d’Or en Cannes a la mejor ópera prima con «Bienvenidos a Montparnasse» (2017), el director francés Léonor Serraille presenta hoy un drama sobre una madre marfileña y sus dos hijos desde que llegaron a Francia en los años 80 hasta sus hijos. se independizó.

La historia está inspirada en la vida del padre de sus hijos, sus propios sentimientos como madre y los interrogantes que tiene sobre la familia, tal como contó durante su presentación en Cannes el año pasado.

‘Otan 0. El origen del mal’

Esta ópera prima del director español Gon Crespo es una producción internacional independiente de género policiaco y rodada entre Andalucía y Nueva York.

Un asesino anda suelto por Nueva York matando sin ningún tipo de patrón o perfil de víctima. Un profesor experto en criminología colabora en las investigaciones con un detective de la policía de homicidios de la Gran Manzana.

‘Alma viviente’

La cineasta francesa Cristèle Meira rodó su primera película en Portugal, un viaje en el tiempo donde las creencias sobre la existencia de los espíritus siguen vivas y donde Salomé, la protagonista, podrá reunir a su familia bajo una lluvia redentora.

‘Alma viva’ es una película que explora el poder del mito, la sugestión y la naturaleza pero también un retrato de la emigración rural y la ruptura familiar provocada por la herencia.

«Eismayer»

El drama del director austriaco David Wagner basado en una historia de amor real ambientada en las fuerzas armadas austriacas ganó el gran premio a la mejor película en la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Venecia.

Detrás de su fachada como el macho alfa del ejército austríaco y el instructor más temido, el sargento Eismayer pasó años reprimiendo su homosexualidad, hasta que se enamoró de Falak, un recluta que lo aceptó de forma natural. .

‘chico de cristal’

Pino es un niño que sufre de hemofilia y vive confinado en la casa. Impulsado por un gran deseo de libertad y un coraje sin límites, decide embarcarse en su propia aventura en el mundo con sus amigos y demostrarles a todos que puede vivir su vida como un niño normal.

Inspirada en sagas literarias como ‘Los Cinco’ o ‘Los Hollisters’, la película ofrece una reflexión sobre las relaciones familiares y sus valores.

«Tren de Lauquen»

La directora argentina Laura Citarella da continuidad a su ópera prima, ‘Ostende’ (2011), manteniendo a su protagonista (Laura Paredes), pero esta vez en otra ciudad de la provincia de Buenos Aires.

La historia, dividida en dos partes -la primera se encuentra actualmente en emisión-, se enmarca en la desaparición voluntaria de una mujer y su búsqueda por parte de dos hombres que la aman y que desarrollan sus propias teorías sobre su fuga.

«Las mujeres olvidadas del siglo XX»

‘Mujeres olvidadas’ es un documental dirigido por J. Echevarría Torres que retrata la irrupción de diversas mujeres en el panorama cultural, político y social de la España del primer cuarto del siglo XX y las dificultades a las que se enfrentaron.

‘hermano caballo’

Marcel Barrena, director de ‘100 metros’, un drama de superación con Dani Rovira y ‘Mediterráneo’, sobre la historia de los brazos abiertos, presenta ahora un documental sobre Santi Serracamps, un joven que tiene la capacidad de comunicarse con los caballos, considerado uno de los mejores domadores del mundo.

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Festival de Cine de Cannes | Justine Triet destaca en Cannes

La Palma de Oro se la llevó esta noche Justine Triet gracias a ‘Anatomía de una caída’, la tercera conseguida por un cineasta en toda la historia del Festival de Cannes -‘Le Piano’ (2001), de Jane Campion, y ‘Titane’ (2021), de Julia Ducorneau, fueran sus antecesoras-, tiene un mérito adicional. Debería valer dos. Porque, por un lado, sirve para premiar una magnífica película. Y porque, por otro lado, el cuarto largometraje de la francesa se ha impuesto a pesar de la feroz competencia, que ha convertido esta nueva edición de la competición francesa en una de las películas de mayor calidad artística de estos 20 últimos años. . , si no la mayoría.

Varias de las películas que terminaron en la lista de ganadores en otras categorías figuraron como favoritas para superarlo en muchas gallinas, y merecidamente también lo habrían hecho. Y entre todas estas magníficas obras, en cualquier caso, el jurado eligió una película impecable, una mezcla apasionante y muy inteligente de intriga criminal, drama legal y, sobre todo, una incesante disección de las convulsas dinámicas que rigen la vida de una pareja. .

Premio de la crítica chilena ‘Los colonos’ y brasileña ‘Levante’ en el Festival de Cine de Cannes

Entre los favoritos mencionados en el párrafo anterior, la nueva obra del británico Jonathan Glazer, ‘La zona de interés’, que acabó ganando el Gran Premio Especial del Jurado y, en consecuencia, ocupando el segundo puesto más importante en el palmarés, destacar. Es una película del Holocausto como ninguna otra, y quizás la más aterradora. En él, Glazer consigue transmitirnos el inimaginable horror vivido en Auschwitz sin necesidad de mostrarlo en pantalla y, a cambio, apelando al espeluznante diseño sonoro y al vasto legado cinematográfico que inspiraron las atrocidades perpetradas por la Alemania nazi. «La zona de interés» trata sobre la banalidad del mal, la conveniencia del mal, la tolerabilidad del mal y los asuntos del mal. Y la originalidad, el refinamiento y el rigor que demuestra la convierten en la mejor de las películas presentadas este año en Cannes, y en una obra maestra deslumbrante.

mejores actores

Ninguna de las otras decisiones anunciadas por el jurado esta noche es incuestionable (de hecho, ninguna decisión de ningún jurado lo es), pero vale la pena celebrarlas. El Premio del Jurado concedido a ‘La pasión de Dodin Bouffant’, del director vietnamita Tran Anh Hung, es un justo galardón a una película que consigue ser a la vez una cautivadora historia de amor y un seductor homenaje al arte de la buena mesa y al arte de buena cocina; ‘Fallen Leaves’, que le valió al maestro finlandés Aki Kaurimäki la estatuilla a mejor director, es una hilarante e increíblemente tierna demostración de que incluso en un mundo tan hostil como este, es posible encontrar un alma gemela; y deseamos mucha suerte a todo aquel que quiera disputar tanto el premio a la mejor actriz que ha recibido Merve Dizdar gracias a su extraordinario trabajo en la nueva película de la turca Nuri Bilge Ceylan, «About Dry Grasses», como la conmovedora actuación del japonés Koji Yakusho. ofrece en ‘Perfect Days’, la novedad de Wim Wenders.

En cualquier caso, lo mejor de la lista de ganadores anunciada esta noche, decimos, es que podría haber sido completamente diferente y en todo caso igual de verosímil; así de buena estuvo la 76ª edición del Festival de Cine de Cannes. Solo queda un año para el 77.

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Un banquete servido por Juliette Binoche en Cannes

En el centro de ‘La passion de Dodin Bouffant’, lo último del director vietnamita Tran Anh Hung, se encuentra la conmovedora relación romántica entre un consumado ‘gourmet’ (Benoit Magimel) y la extraordinaria cocinera que ha trabajado para él durante 20 años (Juliette Binoche) viven en un pasado indeterminado. Pero la película, la primera de las aspirantes a la Palma de Oro presentada hoy, es también, ¿sobre todo?, un homenaje al patrimonio gastronómico y vinícola francés -el director ha vivido allí toda su vida- y un homenaje al arte de comer bien y cocinar bien.

Durante la deslumbrante escena que ocupa su media hora inicial, se nos muestra en detalle el proceso de preparación de un magnífico banquete: consomé, volauvan de marisco, rodaballo a la nata, cordero al horno con col de Bruselas, postre estelar conocido con el incongruente nombre de Tortilla. Noruega- que en el momento de su ingestión se adobará con los mejores caldos, y lo que sigue es una demostración tanto del amor que se pone en cocinar el plato perfecto como de comerlo, una observación de los rituales y reglas que rigen lo culinario y una justificación de la alegría que aporta una vida entregada al hedonismo alimentario y al cuidado del paladar y el estómago.

Y el dominio de Tran para transmitir lo sensorial a través de imágenes y sonido -ya lo ha demostrado en películas como ‘The Smell of Green Papaya’ (1993) y ‘Midsummer’ (2000)- no solo hace que ver la película literalmente se nos haga la boca agua. ; Su retrato de un amor basado en una devoción compartida por los fogones también está lleno de una elocuencia abrumadora, y su defensa de que con el menú adecuado se puede aliviar hasta la más dolorosa de las tristezas.

Moretti y su ombligo

El italiano Nanni Moretti ganó la Palma de Oro con «El cuarto del hijo» (2001), pero la película que mejor ilustra su carrera es «Caro Diario» (1993), una colección de viñetas cómicas centradas en un cineasta neurótico interpretado por él, el mismo. Desde entonces, ha vuelto a este «alter ego» varias veces, simultáneamente detrás y frente a la cámara: en «Abril» (1998), enfatiza su vena política, en «Mia Madre», se enfoca en su familia. vida. y ahora, con ‘El sol del futuro’ -también presentada este miércoles en competición en el certamen francés- demuestra que quiere hacer un balance de su vida, de su obra y de sus convicciones, desde una posición más cercana al onanismo que a sí mismo- crítica.

El protagonista de la película es un director llamado Giovanni -este es el verdadero nombre de Moretti-, se encuentra inmerso en el rodaje de una película sobre el comunismo en la Italia de los años 50, y se encuentra deprimido; su esposa está harta de él por una buena razón, y el arte al que ha dedicado su vida se está muriendo debido, entre otras cosas, a Netflix y al público que disfruta de la violencia gratuita. Mirándola, la película funciona como un paseo por el ‘Nanniverso’, o como una retrospectiva autocomisariada de Nanni Moretti. Et ce faisant, il fait comprendre à quel point la méthode narrative qui l’a mis sur la carte, basée sur une approche très particulière de l’autofiction, de la sentimentalité et du surréalisme, a été endommagée par les éléments causés par le passage tiempo.

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Sara Montiel, la diva manchega a la que un exiliado español intentó asesinar en México

En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre siempre quiso acordarse, nació María Antonia Abad Fernández, más conocida con el nombre artístico de Sara Montiel, allá por marzo de 1928. Hija de un agricultor y una peluquera a domicilio, conoció la pobreza desde la cuna. Tanto es así que ella y su hermana llegaron a comer raíces para saciar su hambre. Sara parecía destinada a convertirse en una sumisa y entregada ama de casa, pero todo cambió para ella el día que fue descubierta por el director de la revista Triunfo, Ángel Ezcurra. Tras escucharla cantar una saeta durante la Semana Santa de Orihuela, la periodista decidió convencer a los padres de Sara para que la dejaran participar en un concurso para jóvenes talentos organizado por la productora de cine Cifesa en el Parque del Retiro de Madrid.

“Representó a Valencia con una canción de su idolatrado imperio argentino, La morena de mi copla”, cuenta Daniel María en la biografía ilustrada Saritísima (Variétés Ediciones). “A pesar de que sufrió un pequeño revés en su actuación, ya que se cayó nada más subir al escenario, venció a la treintena de competidores y ganó una beca de quinientas pesetas al mes durante un año. Gracias a esta remuneración pudo instalarse en una pensión de Madrid con una auxiliar de enfermería facilitada por los Ezcurra. Se matriculó en clases de declamación en el conservatorio y dio sus primeros pasos en el mundo del cine.

Con tan solo dieciséis años, Sara debutó en el cine con un pequeño papel en la película Je t’aime pour moi (1944) de Ladislao Vajda. Al año siguiente conocería a su representante, Enrique Herreros, cuyo olfato fue fundamental para iniciar la reconversión de esta original María Alejandra en Sara Montiel. “Herreros intervino decisivamente en el cambio de look de la joven”, explica María. «Su imagen, entre ingenua y pícara, lo que en su momento se llamó ‘niña Topolino’, daba la apariencia de una más adulta, con su pelo rubio y buen aire en el paso. Pero la joven necesitaba, como Rocinante, un nombre fuerte, resonante y significativo. Sara como su abuela y Montiel como los campos vecinos de su Criptana natal. La fusión dio en el blanco, creando un nombre hermoso, seductor y elegante. Acababa de nacer una estrella».

El salto en México

La Mancha encadenó personajes secundarios y coprotagonistas en Se le fue el novio (1945), donde compartió créditos con Fernando Fernán Gómez, El misterioso viajero del Clipper (1945) y Pour le grand prix (1946). Sin embargo, los papeles relevantes se le resisten y, siguiendo el consejo de su primer novio, el intelectual Miguel Mihura, que además es veintidós años mayor que ella, accede a probar suerte al otro lado del charco. En México, Montiel comenzó a actuar en teatros, formó sociedad artística con estrellas como Pedro Infante y filmó un total de catorce películas, prácticamente una por mes, lo que la convirtió en una estrella reconocida en todo el continente.

El círculo íntimo de Sara comenzó a llenarse de figuras del exilio español y de la intelectualidad mexicana. En sus memorias, la diva dijo que León Felipe la animó a estudiar y leer. El poeta se enamoró de ella e incluso la abofeteó, al menos una vez, cuando descubrió su relación con el líder comunista Juan Plaza. Al parecer, este exiliado español tuvo un largo romance con la esposa de La Mancha y la dejó embarazada. Años más tarde, el peluquero José de la Rosa daría una entrevista a una revista para comentar que su amiga Sara le había dicho que, muy joven, había tenido una hija de un importante mexicano: «La hija nació de una relación muy larga y cesárea complicada. . Cuando Sara despertó de la anestesia, le dijeron que tenía una niña que nació muerta.” Otra versión sostiene que después del nacimiento alguien le robó a su hija y se la dio a una pareja en Valencia para que la criara.

Un nuevo libro llamado Sara Montiel. Esposa y estrella Más allá del mito (Almuzara) ofrece más detalles sobre Juan Plaza, quien intentó controlar la vida y la carrera de Sara, obligándola a huir de la casa que compartían en el estado mexicano de Morelos. «A finales de 1955 -señala en el ensayo el autor, el escritor Israel Rolón-Barada-, un día muy temprano por la mañana, con las maletas ya hechas y dispuestas a emprender el viaje a Madrid vía Los Ángeles. En compañía de su mamá, Sarita se despidió de su esposo en su casa de Cuernavaca, no sin antes explicar que solo se iban de vacaciones por unas semanas. “Él se fue para siempre, dejando su casa para no volver jamás. Plaza, enojada, la amenazó de muerte y estuvo un tiempo persiguiéndola. Según cuenta Enrique Herreros Jr., el sujeto se presentó un día en Guayaquil, donde Sara estaba actuando, portando una pistola con la que pretendía dispararle varias veces (pero el representante de la manchega lo disuadió de su intención).

Sabiendo que por su condición de exiliada comunista su ex no podía entrar a Estados Unidos, Sara Montiel se instaló en Hollywood, donde dirigió tres largometrajes. Con la primera, Veracruz, dirigida por Robert Aldrich, comparte cartel con actores de la talla de Gary Cooper y Burt Lancaster. Gracias a otra de ellas, Serenade, conoció a su primer marido, el director estadounidense Anthony Mann. Tras el estreno de esta película, Sara viajó a España única y exclusivamente para el rodaje de El último cuplé, largometraje que, gracias al boca a boca, arrasó en la taquilla española y, de paso, reveló al público una cantante modelo que hasta entonces no existia. «Cuando Sara convierte el arrullo en un susurro, consigue que la letra sea realmente insinuante», dice su biógrafo Pedro Víllora.

Control de tu carrera

Fue precisamente en ese momento cuando el productor de Columbia Max Arnold le ofreció al manchego un contrato de siete años. Pero ficharlo significaba atarse durante mucho tiempo a la voluntad de un gigante que controlaría sus libertades, su voluntad y su carrera, por lo que Sara lo rechazó. “En cambio, aceptó la contraoferta de Warner, un contrato de dos años en el que impuso una cláusula de rescisión”, escribe María en su libro. “La Montiel supo en todo momento que su futuro en la industria del cine iba a estar marcado por la lectura de Hollywood sobre su físico y su acento. La clasificarían en papeles menores, solo sería una actriz secundaria latina, y la explotar su lado carnal y erótico. No respetarían tus decisiones ni escucharían tus sugerencias. No tendría el control de su carrera».

La decisión de fichar por Warner convirtió a Sara en la actriz española más rentable y universal, lo que le permitió volver al cine español tiempo después para cambiar la ambientación de una película. A partir de entonces, Sara empezó a producir sus propios proyectos cinematográficos e impuso una serie de condiciones: ser la protagonista absoluta de sus largometrajes, tener la última palabra a la hora de seleccionar al director de la película, supervisar personalmente cosas como la canción de la banda sonora lista y disfraces, y nunca más madrugar para ver una sesión.

Como todo buen icono de libertad digno de tal nombre, la diva encarnó comportamientos y decisiones revolucionarias en la España de la época. “El aparato de la censura no pudo, a pesar de sus decididos intentos, abolir a la mujer libre e independiente que representaba Sara, incluso con sus matices sentimentales y afectivos”, añade María. «Nadie podía interpretar los personajes de Montiel como ella y de hecho nadie los interpretaba, ya que se alejaban mucho del arquetipo sumiso de los personajes femeninos del cine español de la época».

Tras el discreto estreno en 1974 de Cinco almohadas para una noche, su última película, Sara está convencida de que su cine ya no está a tono con los tiempos. “Me retiré por las películas de portada”, diría más tarde. “Entraban a la cocina con un hermoso vestido de noche para darles una ‘tontería’ y luego salían desnudas. No me gustó nada, no me convenía”. Por suerte para sus seguidores, su vida profesional no terminó con su retiro del cine y, de hecho, la huella de su estrellato se mantuvo vigente hasta el final de sus días.

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